VANG #5. Desobediencias sonoras — 22-02-2018 @19h30

Duo Hellqvist/Amaral + M. Salgado/F. Cabeza de Vaca + Dror Feiler + Marina Rosenfeld + Bodil Furu

Podríamos afirmar que la historia de la música – y del Arte en general – es una historia de la desobediencia; un relato de cientos de años formado por un compendio de artistas que, de diferentes maneras, reflejaron en sus obras los cambios sociales de su entorno negando los códigos establecidos por el canon estético y social de cada época: desde ese punk austríaco llamado W.A. Mozart, que rechaza la servidumbre feudal en los albores de la Revolución Francesa, pasando por figuras de comienzos del convulso siglo XX como A. Schoenberg y L. Russolo, que desde diferentes puntos de vista configuraron un nuevo orden sonoro; hasta llegar a épocas más recientes con creadores como John Cage, y su poética personal en torno al ruido y el silencio, o las canciones de Patti Smith reflejando el sentimiento social de libertad generado en los años 70.

La música, desde sus orígenes, se ha dedicado en cuerpo y alma a expresar de diversas maneras las necesidades del ser humano. La desobediencia es el cambio promovido por estas necesidades generación tras generación, la confluencia de una nueva unión de intereses frente  a una vieja unión de estos. La música, por lo tanto, no es más que otra forma de revolución que hace tangibles los deseos y necesidades de una sociedad a través de las desobediencias sonoras manifestadas por cada artista.

John Cage – 4, 33” [ David Tudor, piano ]

DESOBEDIENCIAS SONORAS

El proyecto Desobediencias sonoras reúne a cinco artistas de diversas generaciones y geografías (Suecia-Israel, Estados Unidos, Noruega y España), quienes, desde la plataforma común del dúo para violin y piano, trazan manifestaciones notablemente diferentes en torno a la idea de la “desobediencia sonora”, tanto por su planteamiento como por los formatos utilizados: los sonidos electrónicos (Dror Feiler), el vídeo (Marina Rosenfeld) o la performance (María Salgado&Fran Cabeza de Vaca). Como elemento paralelo al concierto, se presentará también la obra audiovisual Radio de la artista noruega Bodil Furu.

En palabras de las intérpretes:

Desobediencias sonoras es una exploración de acercamientos musicales que exploran la convergencia entre el ruido y la resistencia. Ruido como imagen sonora que niega un orden (¿musical?, ¿social?) preestablecido, planteando así otros espacios (¿utópicos?) de experiencia estética. Desobediencia como un posicionamiento radical, como disidencia, como la máxima consecuencia de una resistencia (¿sonora?), y también como una búsqueda en el ámbito de lo estético de aquella utopía que nos es negada desde el ámbito de lo social. Desobediencia sonora como principio, que es a la vez inicio y valor.

ACAB un lied    ////    María Salgado + Fran MM Cabeza de Vaca

ACAB  un lied es una pieza que continúa el trabajo desarrollado por Fran MM Cabeza de VacaMaría Salgado en la zona de investigación sonora creada en 2012 por ambos: Hacía un Ruido. Salgado y Cabeza de Vaca utilizan el ruido como forma de oposición a lo establecido, como resistencia a lo canónico  y como herramienta para reivindicar un nuevo orden social. Una de las piezas que conforman el ciclo Hacía un ruido es ACAB, un rap invertido en el que las bases siguen el ritmo de la voz – ritmo prosódico – y no al revés, como suele ocurrir en el rap convencional, en el que el texto se subyuga a un beat regular. Para esta ocasión, los autores nos proponen una nueva versión para violín, piano, vídeo, voces y electrónica derivada de aquella singular propuesta creada hace seis años.

ACAB – María Salgado y Fran Cabeza de Vaca

Matarra   ///    Dror Feiler

Dos citas fundamentan el trabajo desarrollado por Dror Feiler en Matarra.

La música porta un mensaje profético que hace evidente la existencia de una vida mejor, hacia la que se dirige la humanidad. Y es gracias a este mensaje por lo que la música apela a seres humanos de todas las razas y nacionalidades.

Arnold Schönberg

La música es un arte extraordinario. Su musa tiene una malformación corporal. Carece de piernas, no pudiendo ni estar de pie ni caminar sobre la tierra. Está condenada a moverse en regiones más elevadas” por medio de dos alas defectuosas.

Hans Eisler

Matarra pertenece a un grupo de obras en las que Feiler deja a un lado ciertos aspectos que han configurado la tradición europea en siglos pasados – desarrollo, clímax, intensidades y orquestación – con el fin de trabajar el tiempo como si de una escultura se tratase. De esta manera, Matarra es un una obra que recurre por una parte a la crudeza del discurso no-narrativo para conseguir una mayor pureza, así como a la brutalidad de lo sonoro para encontrar de forma clara y directa la atención del espectador .

Dror Feiler

My Red, Red Blood    ///   Marina Rosenfeld

Basada en un texto del poeta Kim Rosenfeld, a su vez inspirado en algunas de las memorias de los comediantes enviados para entretener a los militares estadounidenses en misiones de ultramar, Marina Rosenfeld crea en My Red, Red Blood una serie de imágenes desdobladas en forma de notación, conformando y dirigiendo las acciones de los intérpretes. Estos, improvisan sobre texturas de escalas de grises y otros ruidos visuales, generando una gama de sonidos que oscilan entre timbres delicados y violentos zumbidos.

El ruido está empleado aquí de diferentes formas. En primer lugar, para amplificar y resaltar el contraste de los diversos materiales e ideas. Por otra parte, con el fin de expandir el vocabulario instrumental a través del grado de detalle que implica relacionar cada sonido a cada imagen. Y por  último, como forma de experimentar la interioridad del ruido auditivo y visual a través de la
“lente de aumento” que plantea la obra.

Marina Rosenfeld – My Red, Red Blood (2011): https://www.marinarosenfeld.com/my-red-red-blood/

 

/// Dúo Hellqvist – Amaral

La violinista Karin Hellqvist y la pianista Heloisa Amaral se conocieron en 2009 en Oslo como miembros del Ensemble neoN. Dos años más tarde, decidieron acometer el trabajo de Dikthas de Iannis Xenakis, una obra en la que dos voces contrastantes se mantienen continuamente en plena tensión. Esta característica determinó el espíritu del Duo Hellqvist-Amaral quienes, poco tiempo después, hicieron su debut en el Festival Ultima de Oslo.

Sin ningún tipo de temor en su exploración de la música más reciente, el dúo ha jugado un relevante papel en el campo de la música experimental. Junto con el estreno de nuevas obras de compositores como Øyvind Torvund, Marina Rosenfeld, Dror Feiler, Natasha Barrett, Mauricio Pauly, Santiago Diez-Fischer… en sitios como Noruega, Suecia, Estados Unidos, Alemania, Brasil, Italia, Argentina, Dinamarca, Corea o Colombia, el dúo también ha impartido diversos talleres y seminarios en universidades de Latinoamérica, Estados Unidos, Argentina y Corea, centrándose en la interpretación, notación y realización del repertorio experimental, así como en el diálogo entre intérpretes y compositores. Diversas residencias han contribuido también al desarrollo del Duo (Harvard University, conDIT Argentina, Corea y Villa Romana en Italia). Además, el dúo se ha expandido también hacia otras formaciones como el Trío neoN (con Yumi Mirakami, flauta), el Cuarteto HAHB (con Joshua Hyde, saxo, y Noam Bierstone, percusión) y el trío Hellqvist/Amaral/Choi junto con la percusionista tradicional coreana Sori Choi.

Sus próximos proyectos incluyen nuevos encargos a compositores como Ragnhild Berstad, Dror Feiler, Daniel Moreira, José María Sanchez-Verdú y Alberto Bernal, así como conciertos en Berlín (KontraKlang) y una residencia en el Centro de Arte y Tecnología de Karlsruhe (ZKM) con el artista Giuliano Obici.

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VANG #4. La ceguera — Ramón Andrés + Sara Ruiz 25-01-18 @19:30

Puedes cerrar tus ojos pero nunca podrás cerrar tus oídos.

Anónimo, ca. 1309

 

Probablemente escuchar sea, de entre todas nuestras facultades, la más traidora. Mientras el conjunto de cosas que podemos ver y tocar se nos presenta como una certeza, como algo presente, sobre lo que configuramos nuestra realidad, el sonido es algo efímero, transitorio, un recuerdo de algo lejano.

Pero, ¿qué ocurre cuando anulamos nuestra mirada? Nuestros oídos se sitúan en un primer plano sensorial, lo ausente se hace presente, y un nuevo mundo perceptivo se presenta ante nosotros. De esto hablaremos en esta ocasión: del sonido, de la escucha, de los que nos rodean y de nuestros ojos cerrados.

Les yeux clos (1979) – Toru Takemitsu

 

CHARIVARIA

VANG abre sus puertas a Charivaria, la exposición que ha podido verse (y escucharse) en Centro Centro desde el pasado 6 de octubre, y que gira en torno al posicionamiento sonoro de las personas en el espacio público. El título de la exposición, es una derivación de la expresión francesa “charivari”, algo que podríamos traducir como “cencerrada” y que alude a la costumbre popular de humillar con ruido a alguien que rompe las normas de la comunidad.

CHARIVARIA Centro Centro Cibeles.

La muestra, en la que han participado más de 90 contribuidores, nos plantea diferentes cuestiones como la presencia que ha tenido el hecho sonoro en nuestra historia, la forma en que éste ha condicionado nuestras costumbres, el uso sonoro que realizamos del espacio público o cómo hemos configurado nuestro concepto actual de escucha. Para dar respuesta a estas preguntas, los comisarios de la exposición Andrea Zarza y José Luis Espejo, han trazado un recorrido desde los inicios de la Edad Moderna en Europa hasta la actualidad sirviéndose de múltiples materiales que van desde el grabado o la pintura hasta archivos audiovisuales e instalaciones.

La campana de Gracia – Any II batallada LXII (1871)

La exposición se centra en establecer una serie de genealogías hipotéticas alrededor de diferentes culturas sonoras como pueden ser el empleo de campanas, cencerros o carros asociados a diversos aspectos de la vida cotidiana o la relación que puede existir entre la práctica de la música mendicante con la ceguera. Es alrededor de este último punto, música y ceguera, sobre lo que el ensayista y poeta Ramón Andrés nos hablará el próximo 25 de enero, y para lo que elegirá un repertorio que será interpretado a la viola da gamba por Sara Ruiz.

Taking a life for a walk Fotografía de Graham Turner (2004)// Retrato de Caroline Kraabel como parte de su proyecto Taking a life for a walk.

 LA CEGUERA

Ciego tocando la zanfona George de la Tour (1630)

Los Dioses no se ven, se escuchan

Ramón Andrés

Ramón Andrés (Pamplona, 1955) es ensayista, pensador y poeta. Autor de una vasta obra que abarca muchos campos del conocimiento pero en la que destaca por su rigor y brillantez de ideas, el estudio de la música en sus diferentes manifestaciones.

Entre sus publicaciones dedicadas al arte de combinar sonidos, podemos citar libros como el Diccionario de instrumentos musicales. Desde la Antigüedad a J. S. Bach (1995); Mozart, su vida y su obra; Johann Sebastian Bach, Los días, las ideas y los libros; El oyente infinito, Reflexiones y sentencias sobre música; El mundo en el oído. El nacimiento de la música en la cultura;  Diccionario de música, mitología, magia y religión (2012); El luthier de Delft. Música, pintura y ciencia en tiempos de Vermeer y Spinoza (2013); Claudio Monteverdi. ‘Lamento della Ninfa’ (2017); No sufrir compañía. Escritos místicos sobre el silencio (siglos XVI y XVII) (2010).

Sobre el silencio – Entrevista a Ramón Andrés

Las relaciones entre lo visible y lo invisible o entre el sonido y el silencio han sido parte fundamental del pensamiento de Ramón Andrés durante los último años. En su obra No sufrir compañía. Escritos místicos sobre el silencio (siglos XVI y XVII), el escritor  navarro afirmaba “el que habla lo hace porque teme no ser visto” defendiendo con ello un concepto de lo sonoro y la escucha basado en el ser y el estar, que nos conduce a una idea del existir a través del espacio sonoro que generamos y habitamos: somos porque sonamos.

Los escritos de Ramón Andrés conllevan tal despliegue de ideas que nos conducen directamente a plantearnos una serie de preguntas sobre nuestra existencia y el papel que ocupamos junto a los que nos rodean: ¿Qué somos sin escucha? La oscuridad o el silencio, ¿qué es más aterrador? ¿Qué le ocurre a Zeus cada vez que escuchamos un trueno? Quién sabe… los Dioses no se ven, se escuchan.

Captaine Humes (Pavan & A soldiers Galiard ) – Tobias Hume  // Sara Ruiz (viola da gamba)

 

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VANG #3. El instante decisivo — Agustí Fernández + Ingar Zach 21-12-17 @19:30

Quizá la improvisación libre no-idiomática sea la práctica musical que más se acerca a aquella idea del “instante decisivo”, tan buscada por el fotógrafo Cartier-Bresson en su poética de la captura del tiempo.

The Decisive Moment HENRI CARTIER BRESSONde Pad Studio 

 

Agustí Fernández (Mallorca, piano) e Ingar Zach (Oslo, percusión), dos de las figuras más relevantes internacionalmente en este campo, nos harán partícipes de un gran instante suspendido durante una hora a través de la interacción, la toma de decisiones en tiempo real y el juego de timbres sonoros. Aquella captura del tiempo del fotógrafo se convierte aquí, desde la escucha profunda que nos ofrece esta forma de crear música, en una ruptura de nuestra vivencia temporal, expandiéndose y contrayéndose a lo largo de este último VANG de 2017.

AGUSTÍ FERNÁNDEZ // INGAR ZACH

 

VANG: Antes de empezar, nos gustaría saber cómo fue vuestro primer encuentro musical y cómo fue el origen del disco que elaborasteis en 2008: Germinal

Agustí Fernández: La verdad es que no me acuerdo del primer encuentro. Tengo muy mala memoria… ¿Quizás fue en Oslo, Ingar? El origen de “Germinal” se debe al propio Ingar, fue él quien solicitó hacerlo y yo producirlo.

Ingar Zach: Es verdad, Agustí tiene muy mala memoria (risas). Nos conocimos por email. Los dos estábamos de acuerdo en que nos gustaría hacer algo juntos. Agustí consiguió el estudio de grabación en Barcelona a través de Ferran Conangla. La grabación del disco fue nuestro primer encuentro como dúo. Yo encontré el sello y Agustí produjo el disco. Después, realizamos conciertos en Barcelona y en Oslo.

VANG: Casi 10 años después de la aparición de ese disco ¿cómo ha sido la evolución en el lenguaje personal de cada uno? ¿En qué aspectos os seguís reconociendo y cuales creéis que han evolucionado o cambiado?

A.I. : Creo que esencialmente usamos el mismo lenguaje que antes, acaso más refinado. Este refinamiento proviene de las incorporaciones de la gente con la que hemos tocado, es decir, en cuanto al lenguaje: lo mismo pero diferente.

I.Z. : Sí, tenemos mucho proyectos cada uno y cuando nos vemos después de tanto tiempo es siempre algo fresco. Aunque nuestra manera de tocar a lo mejor no ha cambiado tanto, traemos nuevos sonidos y experiencias que nos llevan a una nueva música.

LlimonaAGUSTÍ FERNÁNDEZ

VANG: En qué medida la improvisación libre ha dejado de ser “libre” para quizá convertirse en un género propio que posee sus lugares comunes o un territorio sonoro que lo diferencia de otras músicas.

A.I. : Quizás la palabra “libre” ya no es definitoria de la música que hacemos. Y dentro de este territorio hay muchas variantes y escuelas, con más o menos improvisación, y más o menos “libres”. Pero siento que es libre en el sentido que nadie me obliga a hacer algo concreto, y yo soy el que toma las decisiones respecto a mi aportación a la música.

I.Z. : “Música libre” no existe. No tengo necesidad de poner nombres a la música. Solo se trata de sentirse libre y disfrutar de una situación tan bella como es tocar y compartir música con un músico como por ejemplo Agustí.

INGAR ZACH en Galleri Galleberg

VANG: ¿Cómo afecta en vosotros la escucha o la práctica de otras músicas a la hora de improvisar / crear?

A.I. : Todo influye. Todas las músicas son la misma música, solo hay que saber escucharlas con el oído atento.

I.Z. : Me gusta todo. Intento crear a partir de toda mi experiencia como músico y como oyente para con ello poder hacer la música más bella posible. Me inspira muchas cosas diferentes, me gusta que haya tanta diversidad en el mundo de la música.

VANG: El fotógrafo Henri Cartier-Bresson afirmaba que “una fotografía es un boceto inmediato hecho con la intuición y que no puedes corregir. Si tienes que corregirlo será en la próxima fotografía”¿Cómo se vive este “instante decisivo” en la improvisación”?

A.I. : Con tranquilidad y relax… y un pelín de tensión, claro. Es la única manera de lograr que la música fluya.

I.Z. : Me proporciona felicidad, porque el enfoque no es que puedas cambiar algo, el enfoque es disfrutar el momento y aceptar la dirección de la propia música con una escucha abierta.

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VANG #2. COVERS 8 formas de reVISAR la música — Nou Ensemble 24-11-17 @19:30

Nou Ensemble

Myriam García –violoncello // Carlota Cáceres -percusión // David Romero- Pascual -clarinete y saxo // Jose Pablo Polo –guitarra eléctrica

COVERS
– 8 formas de reVISAR la música-

Ritual I :: Commitment ::  BiiM Jessie Marino
para percusionista, luces y audio-tape              (USA, 1984)
Volpi / Formentera                    Camilo Méndez San Juan
para clarinete bajo y guitarra eléctrica         (Colombia, 1982)
Gagliarda Francesco Filidei
para cello solo    (Italia, 1973)
-TIEST *                              Jose Pablo Polo
para saxo soprano, electrónica y vídeo    (España, 1984)
Born to be wild                    Sttepenwolf / David Lang
para percusionista                                          (USA, 1957)
Ever get the feeling you’ve been cheated?        Germán Alonso
para cello, clarinete bajo y guitarra eléctrica    (España, 1984)
Adagio Carolyn Cheng
para 3 intérpretes escuchando Bruckner               (USA, 1983)
1,2. 1-2-3-4                               Gavin Bryars
para 4 intérpretes                                     (UK, 1943)
* Estreno en España

Literalmente, el término anglosajón COVER significa “cubierta”, “portada”, “tapa”. Durante la segunda mitad del siglo XX pasó a utilizarse para denominar a aquellas versiones/recreaciones de canciones grabadas con anterioridad por otros músicos.Partiendo de la premisa de reVisar nuestra historia musical, tanto la clásica como la popular, Nou Ensemble propone un recorrido por obras/canciones del repertorio universal (W. Byrd, A. Bruckner, Sex Pistols, Sttepenwolf…) reinterpretadas por la mirada de ocho compositores de estéticas contrastantes.

En Ritual I :: Commitment ::  BiiM de la compositora norteamericana Jessie Marino  (1984-) un filtrado sonoro de la canción I make you love del grupo Boyz II Men se descubre a través de un incesante pulso de caja. Este elemento oculto puesto en relieve le sirve a Marino para desarrollar un posicionamiento crítico ante la “escucha pasiva” propia de la sociedad contemporánea. 

Ritual I :: Commitment ::  BiiM // JESSIE MARINO

El compositor colombiano Camilo Méndez (1982-) parte en Volpi/Formentera de la estructura propia típica de cualquiercanción con sus estrofas y estribillos para llevar este concepto al mayor grado de abstracción posible. Como si de las islas de un archipiélago sonoro se tratara, los intérpretes deben reconstruir libremente las seis piezas que conforman esta propuesta de canción abstracta.

Los recuerdos de un pasado lejano se hacen presentes en Gagliarda  para cello solo del compositor italiano Francesco Filidei (1973-). El espíritu del compositor William Byrd planea por toda la pieza a través de ciertos gestos rítmicos propios de la gallarda del siglo XVI. Un diálogo de presencias y ausencias en el que una idea del pasado convive con el riquísimo universo tímbrico que propone Filidei a través del amplio abanico de técnicas extendidas aplicadas al violoncello.

En -TIEST, partiendo de las reflexiones vertidas por el pensador francés Gilles Lipovestky en su libro “La era del vacío”, el compositor madrileño Jose Pablo Polo  (1984-) crea un discurso que cuestiona las diferentes capas de la escucha a través de la utilización de 83 vídeos de versiones de diferentes piezas extraídas de Youtube en las que el saxofón es el elemento común. Existe en la pieza una reflexión sobre la escucha a nivel sociológico a través del análisis del soporte como medio transmisor y cómo este genera niveles perceptivos cambiantes en el discurso musical.

Quizá sea Born to be wild del compositor norteamericano David Lang (1957-) la “recreación” que en mayor medida más se acerca al original de partida, hasta el punto de poder considerarse un arreglo de la canción homónima del grupo canadiense Steppenwolf. Con elementos muy simples – voz hablada y elementos sonoros extraídos del original – Lang construye un monólogo para percusionista que – aún considerándose un arreglo – consigue crear un discurso propio que se aleja de aquel himno del heavy metal que fue Born to be wild en los años 70.

Born to be wild // DAVID LANG

Ever get the feeling you’ve been cheated? de Germán Alonso (1984-) toma su título de las últimas palabras de un asqueado John Lydon – aún en la piel de Johnny Rotten –  en el último concierto de Sex Pistols en 1978. La obra se articula como un mashup o superposición de creaciones musicales emparentadas, no tanto por sus características sonoras, como por contener algún tipo de referencia a un hastío existencial.

El silencio y una relación disruptiva del hecho sonoro entre intérprete y público describen la poética creativa de Adagio de la compositora norteamericana Carolyn Chen (1983-). El punto de partida es el siguiente: 3 intérpretes escuchan en silencio con sus auriculares el Adagio de la séptima sinfonía de A. Bruckner dirigida por S. Celibidache. Cada uno de ellos interpreta la obra del compositor alemán con gestos faciales provocando, a través de este “teatro mudo”, una suerte de escucha imaginaria que parte de un elemento puramente visual.

Adagio // CAROLYN CHEN

Esos mismo auriculares son parte fundamental de 1,2, 1-2-3-4 del compositor de Reino Unido,  Gavin Bryars (1943-). A través de una selección de música familiar utilizada como partitura sonora, cada músico responde con su instrumento a la línea instrumental o vocal que desee. El resultado final es un remix de músicas desordenadas, una interpretación de un mundo sobresaturado de sonidos en el que en ocasiones la escucha se convierte en una obligación más que una decisión.

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VANG #1. silencio — Radu Malfatti + maDam. 20-10-17 @19:30

Actualmente mi trabajo como compositor e improvisador se basa en crear una música tranquila y no perturbadora. El 5 de agosto de 2017 ofrecí un concierto en solitario en Berlín. De las cuatro intervenciones programadas para ese día, la mía fue la última. Empecé a tocar sin anunciar el comienzo del concierto mientras la gente permanecía de pie en la sala hablando libremente. Durante aproximadamente diez minutos todos ellos fueron tomando asiento tranquilamente; empezando por la primera fila hasta ocupar toda la sala. Fue una experiencia fantástica para comprobar cómo puedes generar tranquilidad en un ambiente ruidoso. He tenido experiencias similares durante mi trabajo como profesor, consiguiendo la atención de los niños a través del silencio y no mediante gritos. En general, ésta es mi actitud ante la música y la sociedad.
RADU MALFATTI

 Podría decirse que, tanto el sonido del colectivo maDam como el del compositor austriaco Radu Malfatti, parten del silencio. El silencio que posibilita la escucha compartida entre músicos y audiencia; el silencio entre los sonidos; el silencio después de cada sonido; el silencio de Cage; el silencio que dialoga con lo que suena, alterando nuestra percepción de lo que escuchamos.
Desde la diferencia, Radu Malfatti y maDam convergen en esta exploración de largos silencios y sonidos tan característica del grupo Wandelweiser, “hogar” del primero desde hace más de veinte años y en cuyo sello discográfico se ha publicado el reciente debut internacional de maDam. Convergen también en su divagar por toda esa tierra de nadie entre la composición y la improvisación, lo determinado y lo indeterminado, lo individual y lo colectivo…
“Puede que maDam sea una planta: obtenemos la energía de la luz de los soles que aparecen ante nosotros y, con ella, convertimos ciertas sustancias simples en otras más complejas, o a la inversa”.


Shoguu
Radu Malfatti y el colectivo maDam nos presentan una nueva versión de la pieza creada por el compositor austríaco en 2013.
Shoguu basa su estructura en la idea de canon: una serie de fragmentos sonoros se repiten en intervalos de tiempo iguales por diferentes instrumentos.
En el caso de Shoguu, Malfatti organiza al conjunto instrumental en cuatro dúos. El primero de ellos comienza la interpretación de la pieza a la que sucesivamente le seguirán los otros tres dúos imitando lo realizado por el primer conjunto. El canon como tal no es reconocido por el oyente en ningún momento ya que en él no encontramos melodías y timbres propios de la música “clásica”. Por otra parte, el trabajo con intervalos temporales de imitación considerablemente amplios entre los cuatro dúos conduce al espectador a un nivel de percepción auditiva diferente al que suele ofrecer el tradicional canon como género compositivo.
Al igual que en otras piezas de Malfatti, los interpretes se convierten en parte activa de la obra. La duración, el timbre y la altura de los sonidos son elegidos libremente por los intérpretes convirtiendo de esta forma cada interpretación de Shoguu en una pieza única.

Radu Malfatti
16.12.43 nació en Innsbruck
1965-1970 asistió a la Graz Musikakademie
estudió con eje thelin
charló con sonny rollins
tomó café con luigi nono
le gusta jugar al ajedrez con siegfried fussy
leía mucho, olvidaba todo.

maDam
El Colectivo maDam es, en cierto modo, un grupo dedicado a la improvisación electroacústica. Desde su origen, en 2011, y teniendo la improvisación musical (la escucha) como punto de partida y de llegada, maDam ha explorado territorios cercanos, como la composición (Llorenç Barber, John Cage, Lucio Capece, Radu Malfatti, Michael Pisaro, Taylam Susam, etc.) y la escena (Elena Alonso, Elena Córdoba, Claudia Faci, Antonio Fernández Lera, Carlos Marquerie, etc.). Además, ha desarrollado colaboraciones con improvisadores como Lali Barriere, Lucas Bolaño, Paloma Carrasco, Dr. Kurogo y Niña Jonás, Wade Matthews, Eugene Martynec o Javier Pedreira, entre otros.
Ha participado en numerosas ocasiones en conciertos en los espacios dedicados en Madrid a la música experimental y de improvisación (Cruce, Espacio Menosuno, Molino Rojo de la Tabacalera). Además, ha realizado intervenciones site specific (La Casa Franca, Teatro Pradillo, Discoteca Keeper) y participado en festivales como La Deriva Aural (Reina Sofía), 12Cage12 (Centro Cultural Galileo), Estampa-Sound in (Matadero Madrid) o Nits d’Aielo i Art (Valencia). Además de sus improvisaciones y sus intervenciones in situ, ha estrenado en España piezas de Radu Malfatti (nariyamu), Taylan Susam (for maaike schoorel), Lucio Capece (About «The Society of Spectacle» Guy Debord 1967) e interpretado obras de John Cage (Four6 y One7). Entre sus últimas actividades cabe destacar la realización de In Memoriam JC en el Teatro Pradillo, en colaboración con Antonio Fernández Lera, Carlos Marquerie, Fernando Renfijo, Getsemaní de San Marcos, Anuska Alonso, Elena Alonso, Ana Buitrago, Elena Córdoba, Claudia Faci, Camille Hanson, Mar López, María José Pire y Paz Rojo, así como un concierto monográfico junto al compositor norteamericano Michael Pisaro en La Casa Encendida.

Más info:
Radu Malfatti. http://www.radumalfatti.eu
Colectivo maDam. http://madamconbarba.wordpress.com/madam/

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VANG

Del silencio al ruido, transitando entre la improvisación libre, la música contemporánea, el arte de acción o la conferencia performativa, VANG surge con el propósito de constituirse en un revulsivo mensual para la escucha que pondrá en el mismo escenario a diferentes músicos, compositores, compositoras y artistas del panorama nacional e internacional, cuyos trabajos tienen en común la constante búsqueda y exploración de nuevas formas de sonar, de percibir o de dialogar.

Comisariado: Alberto Bernal
Diseño: Christian Fernández Mirón
Dinamización: Celia Zaragoza y José Pablo Polo

CentroCentro Cibeles de Cultura y Ciudadanía
Plaza de Cibeles, 1, 28014, Madrid
Auditorio Caja de Música. 19:30
Entrada libre hasta completar aforo

Descargar programa: vang_programa

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